Dall’AR alla VR: un documentario per ogni realtà

Una donna, con le spalle allo spettatore, si trova davanti a un trittico di dipinti di una famiglia giapponese americana dell'era della seconda guerra mondiale.  Da

Lo storytelling e i suoi progressi sono stati principalmente la ricerca di far sembrare le cose sempre più reali, di immergere l’ascoltatore in un’esperienza che sembra vissuta, di far credere loro che ciò che vedono sullo schermo stia effettivamente accadendo o possa accadere. Le opere d’arte che utilizzano la realtà virtuale e la realtà aumentata spesso riescono a rompere la leggendaria quarta parete e ad aiutare il pubblico a incarnare l’esperienza di attraversare ciò che è in mostra. Abbastanza naturalmente, la forma del documentario, che spesso cerca di creare empatia negli spettatori, trova una casa all’interno di questi mezzi, allontanandosi dai tradizionali formati 2D, dove lo spazio tra lo schermo e lo spettatore è spesso sottoutilizzato. Se il Tribeca Immersive recentemente concluso è qualcosa su cui basarsi, i documentaristi stanno adottando sempre più questi formati per ridurre lo spazio non rivendicato che si trova tra il pubblico e il messaggio.

Una veduta aerea di coltivatori di alghe che camminano su un ponte a Zanzibar.  Da

Ashraki Mussa Machano e Steven-Charles Jaffe Zanzibar: guai in paradiso parla di coltivatrici di alghe a Zanzibar che si dedicano all’allevamento di spugne a causa dell’impatto del cambiamento climatico. È uno dei primi film olografici mai prodotti al mondo e il primo in assoluto ad essere visualizzato su un display Looking Glass. Ciò in cui ciò si traduce è che il film ovviamente appare in 3D (senza occhiali) ma risponde anche alla distanza tra lo schermo e lo spettatore: mentre ci si muove, le dimensioni e l’angolazione degli oggetti cambiano. “Siamo così sicuri della storia, dei personaggi, dei temi, sappiamo che se questo dovesse essere un film in 2D, avrebbe un impatto”, spiega Jaffe. “Ma il fatto è che il display olografico ti dà profondità. Eravamo interessati a qualcosa che potesse, anche se attraverso un’illusione, dare alle persone la sensazione di trovarsi nello stesso spazio, letteralmente, delle persone in un film”. Hindu e Nasiri, le due donne di Zanzibar, parlano alla telecamera iniziando con “Mia madre era una coltivatrice di alghe” e mentre ci si allontana sempre più dallo schermo ci si immerge nelle profondità dell’oceano che le circonda , sempre sotto la minaccia del cambiamento climatico e dello sfruttamento portato dal boom del turismo. “Zanzibar è davvero un paradiso”, dice Machano, che viene da lì e ha lavorato per anni come fotografa, “e queste donne dipendono dall’oceano, che ha provveduto al loro sostentamento. Usiamo l’oceano come nostro parco giochi, ma ora l’accesso a questo stesso oceano ci è stato negato”. Ovviamente questo avrebbe potuto essere un altro documentario sul cambiamento climatico, ma Machano insiste sul fatto che questa tecnologia fosse il mezzo migliore per raccontare la storia di queste donne con le loro stesse parole. “La tecnologia è come un oceano”, dice, “Divide le persone ma le connette. Mi dà la possibilità di raccontare storie sulla mia comunità alle persone di New York”.

Un trittico di dipinti di una famiglia giapponese americana dell'era della seconda guerra mondiale, sul muro di una galleria.  Da

Il progetto AR di Tani Ikeda e Michelle Kumata Radiosità emergente, che ha vinto il premio Best Immersive, onora i contadini Nikkei che vivevano a Bellevue, Washington, la maggior parte dei quali aveva familiari detenuti nei campi di concentramento durante la seconda guerra mondiale. Utilizzando i filtri Instagram di Spark AR sui murales dipinti a mano da Kumata di tre sopravvissuti, Toshio Ito, Rae Matsuoka Takekawa e Mitsuko Hashiguchi,Radiosità emergente aiuta i murales a prendere vita mentre li sentiamo (con la loro stessa voce) raccontare ricordi della seconda guerra mondiale e delle loro fattorie. “Consente alle persone di parlare, consente alla nostra comunità non solo di essere bellissime immagini di sfondo, ma offre anche alle persone un contesto politico per la nostra narrazione, per chi siamo”, spiega Ikeda. Le registrazioni vocali fanno parte dell’enorme archivio di suo padre Tom che documenta le storie nippo-americane nel paese, forse il più grande al mondo. Le persone sui murales erano persone che i nonni di Ikeda conoscevano, persone con i cui predecessori è cresciuta. I pacchetti di semi che sono stati distribuiti presso la sede contenevano tutti semi di cimelio di colture coltivate dai contadini del Nikkei. Mentre lavora a un film documentario correlato, Ikeda ha pensato che l’AR fosse il mezzo migliore per questo progetto perché ha reso la storia accessibile alle persone (soprattutto al pubblico più giovane) che hanno già una conoscenza di base della tecnologia attraverso i filtri su Instagram. “L’idea era che le persone usassero il codice QR sui murales e sperimentassero le storie dei nostri anziani, e poi condividessero le storie”, dice Tani Ikeda. “In questo modo le persone possono interagire con l’arte, remixarla e poi ricrearla con le proprie esperienze. Questo è un nuovo modo di utilizzare la tecnologia per cercare di avere un impatto duraturo a cui le persone possono adattarsi”. È un progetto intergenerazionale, un progetto familiare radicato in una storia ben precisa ma, come dice Ikeda, rendendo i protagonisti più “reali” alle persone, “riunisce persone di comunità diverse per condividere le loro storie di razzismo, esperienze di incarcerazione. Queste storie sono profondamente interconnesse. Questo progetto mi aiuta a usare la resilienza della mia comunità per creare una tabella di marcia verso la giustizia che le altre comunità guardino ed elaborino da sole”.

Un'installazione di un museo virtuale.  Da

“Molte persone chiamano la realtà virtuale la macchina dell’empatia”, afferma Antonia Forster che, con Thomas Terkildsen, ha creato un altro progetto di realtà virtuale di saggistica, Museo LGBTQ+ VR, presentato in anteprima al Tribeca. Per la comunità queer a cui è stato negato il senso della storia materiale, questo progetto crea un museo di oggetti VR crowd-sourced che illustra una parte importante delle storie queer personali delle persone: per alcuni, è un orsacchiotto, un libro di James Baldwin, un un paio di tacchi a spillo da sposa, una bottiglia di smalto e così via. “Ho una forte sensazione di non esagerare con il fatto che la realtà virtuale possa indurre empatia”, continua Forster, “Ma, se eseguita con cura e correttamente, ti dà la possibilità di metterti nei panni di qualcun altro in un senso quasi letterale. Quel senso di presenza ha davvero molto impatto sulle persone e penso che tu possa usarlo per sempre”. Per Forster, era importante che il museo fosse auto-curato dalla comunità queer. “Era molto importante per me non cadere vittima della mia stessa bolla. Perché sono bianca, femmina, di genere cis. Quindi, c’era un rischio statistico molto alto che finissi per reperire più storie come la mia”, aggiunge, prima di spiegare il processo molto difficile di procurare oggetti (tramite gruppi di Facebook e thread di Twitter), creare scansioni 3D di essi, e poi lavorare con il collaboratore per creare una versione di cui tutti fossero felici, tutto durante un blocco. Mentre i documentari entrano in quest’altra realtà, è incoraggiante notare che le questioni dell’etica e del dovere di diligenza vengono affrontate, in modo organico.

Per Thomas, psicologo di formazione, era importante poter misurare gli stati emotivi degli spettatori attraverso misure psicofisiologiche. “Quindi collego una serie di sensori e poi uso quei dati per insegnare ai computer a riconoscere le emozioni umane. Questo tipo di presenza fisica e di esperienza di immersione è fondamentale per creare emozioni e attività emotive nelle persone. Richiede che ci sentiamo come se fossimo fisicamente lì e abbiamo qualcosa in gioco. E il modo migliore per farlo è inserire i nostri corpi all’interno della storia”, aggiunge. Mentre uno “cammina” attraverso il museo, camminando attraverso varie mostre, gli annunci ti dicono quando il museo sta per chiudere. Se sei troppo stanco di andare in giro, c’è un cortile dove “sederti”. Sebbene in un mondo parallelo, Museo LGBTQ+ VR è davvero un museo “reale”, con, come mi dicono i creatori, un elenco di mostre che cambiano di volta in volta. Era anche accompagnato da un’esperienza biometrica che misurava il quoziente emotivo dello spettatore in tempo reale. Entrambi i creatori stanno lavorando intensamente per portare il Museo al pubblico di tutto il mondo e il fatto che possano abbreviare o espandere il progetto, a seconda della logistica e dei vincoli, lo rende facilmente trasportabile.

“Non credo che una tecnologia sia esclusivamente migliore di un’altra. E niente di tutto ciò è più importante di un buon contenuto. Una buona storia deve essere la prima e principale ragione per cui realizzi qualsiasi cosa, dal dipingere una fotografia a un documentario”, afferma Jaffe, trovando una risonanza in Ikeda. “Raccontare le nostre storie ha permesso alla nostra comunità di ottenere una riparazione, quindi non importa quale sia il mezzo, continuerò a consolidare la mia convinzione che tutte le nostre storie sono preziose”, aggiunge. I documentari e la narrazione in generale si sforzano di rappresentare le persone, come il gay nigeriano al Museo LGBTQ+ che piangeva perché non aveva mai visto una rappresentazione tattile della storia queer nigeriana. I documentari ci spingono a tracciare paralleli, collegare punti e quindi imparare da queste connessioni. Finché continuiamo a farlo con rispetto, non potremo mai avere abbastanza mezzi che ci aiutino a forgiare queste connessioni.

Bedatri D. Choudhury è caporedattore di Documentario rivista.

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